O que é música eletrônica? Música que possui sons sintetizados? Música produzida em meios eletrônicos? Se essas forem as respostas, então quase toda música feita hoje é eletrônica. Atualmente, a presença de sons sintetizados e o uso de softwares são uma constante no processo de criação musical.

Mas nem sempre foi assim. Neste artigo, vamos explorar o desenvolvimento tecnológico e a música eletroacústica de vanguarda, que formaram as bases da música eletrônica contemporânea.

1. Tecnologia e novas possibilidades

A relação da humanidade com o som começou a mudar drasticamente no final do século XIX graças a diversos avanços tecnológicos. Antes, o som era efêmero - uma orquestra tocava e você só iria ouví-la novamente em outra apresentação. Com o passar das décadas, surgiu e se desenvolveu o áudio - o som no meio elétrico - e a possibilidade de reproduzir esse som independentemente da sua fonte emissora.

Em 1876, Alexander Graham Bell patenteou o Telefone, um equipamento capaz de transformar o som em vibrações elétricas, transportá-las por fios e reconvertê-las em som. Paralelamente, o Fonógrafo (1877) de Thomas Edison tornou possível a gravação e reprodução de material sonoro.

Em 1906, o Audion (válvula triodo), inventado por Lee De Forest, foi a tecnologia que tornou a amplificação eletrônica possível e abriu caminho para a geração de instrumentos verdadeiramente eletrônicos.

Em 1935, Fritz Pfleumer apresentou o gravador de fita magnética, que viria a se tornar uma ferramenta fundamental para a música eletroacústica.

O advento do gravador de fita finalmente tornara possível a música eletrônica. […] As fitas davam ao compositor versatilidade e flexibilidade na gravação e estocagem de sons, permitindo-lhe manipular sua altura e ritmo pela alteração da velocidade de gravação, sobrepô-los uns aos outros e reorganizá-los na ordem desejada. GRIFFITHS, p.145.

1.1 Linha do tempo dos primeiros instrumentos eletrônicos

Ano	Instrumento
1876	O Telégrafo Musical, inventado por Elisha Gray, é considerado, por alguns, o primeiro sintetizador do mundo.
1906	O Telharmonium foi construído por Thaddeus Cahill. Este pré-sintetizador eletromecânico era uma máquina colossal de 18 metros de largura e 200 toneladas.
1916	O pintor cubo-futurista Vladimir Baranoff-Rossiné constrói o Piano Optofônico, um instrumento "sinestésico" em que sons e padrões giratórios são acionados por um teclado, criando uma combinação de música e cor.
1917	O primeiro Theremin, nomeado após seu inventor soviético Leon Theremin, é construído. Com duas antenas metálicas, ele gera sons sem que o performer toque o instrumento.
1928	Maurice Martenot inventa o Ondes Martenot, semelhante ao theremin. Usadas por Edgard Varèse em "Ecuatorial".
1930	Mais uma invenção soviética: o Variófono, inventado por Evgeny Sholpo, um sintetizador óptico que usa ondas sonoras transcritas em discos de cartão girando sincronamente com filmes de 35mm.
1940	O sintetizador de voz, desenvolvido por Karl Wagner e precursor do vocoder.
1941	A Ondiólina, inventada por Georges Jenny e popularizada por seu compatriota francês, Jean-Jacques Perrey, no início dos anos 1950. Um teclado elétrico cujo som pode ser variado movendo-o manualmente de lado a lado, criando uma gama de efeitos de vibrato mais diversificados do que as ondas Martenot.
1946	A Máquina de Orquestra é desenvolvida por Raymond Scott, que não desejava mais trabalhar com músicos humanos, se possível. Ele mais tarde segue com o Clavivox.
1947	O claviolino, um teclado elétrico com oscilador de tubo de vácuo, é inventado pelo engenheiro francês Constant Martin. Ele aparece no hit de Del Shannon "Runaway" em 1961 e, durante os anos 1960, é usado extensivamente pelo músico de jazz Sun Ra.
1948	O cientista canadense Hugh Le Caine finalizou o protótipo do Electronic Sackbut, reconhecido como o primeiro sintetizador controlado por tensão (voltage-controlled). Le Caine o projetou com interfaces expressivas — como um teclado sensível ao toque e à pressão.

Nota: confira a linha do tempo completa em anexo.

2. Música eletroacústica: Concreta x Elektronische Musik

O que consideramos música eletroacústica hoje é um arcabouço de estéticas e poéticas que surgiu na metade do século XX, na Europa, por duas escolas de pensamento com motivações filosóficas bastante distintas:

2.1 Música Concreta (França)

Em 1948, Pierre Schaeffer criou o Groupe de Recherches Musicales (GRM) na França e definiu a Música Concreta. A abordagem propunha a utilização de sons gravados. Sons de qualquer natureza — passos, motores, instrumentos acústicos, vozes — podiam ser capturados em fita magnética para servir de material musical ao compositor.

O termo “música concreta” surge em oposição a “música abstrata”, que é como Schaeffer classifica a música de concerto tradicional que parte de ideias musicais abstratas notadas em partituras:

O adjetivo “abstrata” é aplicado à música comum porque ela é inicialmente concebida na mente, depois notada teoricamente ****e, por fim, executada em uma performance instrumental. Quanto à música “concreta”, ela é composta de elementos preexistentes, extraídos de qualquer material sonoro — ruído ou som musical —, e compostos experimentalmente por meio de montagem direta, resultado de uma série de aproximações, que acaba por dar forma à vontade de compor contida em esboços iniciais. SCHAEFFER, p.25.

MÚSICA ABSTRATA	MÚSICA CONCRETA
Fase I. Concepção (mental)	Fase I. Materiais (ingredientes)
Fase II. Expressão (notação)	Fase II. Rascunho (experimentação)
Fase III. Performance (instrumental)	Fase III. Composição (concretização)
Do abstrato ao concreto	Do concreto ao abstrato

Schaeffer estava interessado em como ouvimos os sons, independentemente de sua fonte ou origem. Ele desenvolveu o conceito de écoute réduite (escuta reduzida). A "escuta reduzida" é o ato de focar no som em si, libertando-o da sua causa (acusmática) e do seu significado (semântica).

As Técnicas: Os processos composicionais eram físicos e trabalhosos. Incluíam cortar e colar fisicamente a fita magnética, criar loops (repetições), delay, eco de fita e a reversão do áudio gravado.

2.2 Elektronische Musik (Alemanha)

Em 1949, na Alemanha, o termo elektronische musik foi introduzido pelo foneticista Werner Meyer-Eppler. No mesmo ano, os compositores Herbert Eimert e Robert Beyer realizaram os primeiros experimentos com equipamentos eletrônicos.

Em 1951, Eimert criou ali o primeiro estúdio de música eletrônica na rádio NWDR de Colônia e iniciou a "Escola Senoidal". Diferente da Música Concreta, a elektronische musik alemã tinha uma abordagem científica, determinística e alinhada ao serialismo integral. Ela buscava utilizar exclusivamente sons produzidos por osciladores de sintetizador — ondas senoidais puras. O objetivo era o controle total e racional: a elaboração elementar do som a partir de suas propriedades físicas, permitindo uma verdadeira "composição do timbre"

Os primeiros defensores da elektronische Musik não apenas se restringiram a meios de produção sonora inteiramente sintéticos, mas também se esforçaram para dissociar seu trabalho das qualidades imitativas dos instrumentos musicais eletrônicos. Um interesse contínuo na pesquisa fonética sob a direção de Meyer-Eppler, no entanto, exerceria uma grande influência nessa busca por um serialismo eletrônico "puro", trabalhando inteiramente a partir dos primeiros princípios da síntese sonora. MANNING, p.42.

As Técnicas: O foco principal era a síntese aditiva. O compositor podia determinar em estúdio a sobreposição de componentes senoidais (ondas puras) de um som, especificando o número e a amplitude das parciais harmônicas — essencialmente realizando uma "composição de timbre" a partir dos elementos mais básicos do som.

💡 O serialismo integral baseia-se numa série para ordenar todos os parâmetros do som em uma peça. Desse modo, duração, timbre, altura e intensidade são, todos eles, definidos a partir de uma série, que pode ser representada por sequências numéricas.

💡 A composição de timbre na elektronische Musik consiste na elaboração estrutural do som em seu nível mais elementar, controlando parâmetros como frequência, duração, amplitude e forma de onda por meios eletrônicos.

💡 A Técnica de síntese sonora constrói sons complexos pela combinação (adição) de múltiplas ondas simples (geralmente senoidais).

3. Grandes compositores e obras

Embora essas duas escolas tivessem focos diferentes — o mundo real gravado versus o som puro sintetizado —, a distinção mal sobreviveu à sua própria fundação. Os compositores perceberam quase imediatamente que teriam muito mais possibilidades criativas unindo as ****duas abordagens.

O compositor Karlheinz Stockhausen, integrante do grupo de Colônia, é um dos primeiros a unir a síntese sonora e a gravação. Entre as suas principais obras:

Elektronische Studie I (1953): Sua primeira composição puramente eletrônica é uma peça meditativa e contemplativa, com um caráter estático intencional. Sua estrutura é formada por sons puros determinados por uma consistente série de proporções — um exemplo perfeito dos princípios da escola alemã.

Elektronische Studie II (1954): É complementar à primeira, mas com uma abordagem oposta: dinâmica e gestual. Stockhausen utiliza uma gama de alturas não-temperadas e ruídos filtrados, com uma distribuição serial baseada em 5 componentes.

Gesang der Jünglinge (1955-56): Considerada uma das obras mais importantes do Estúdio de Colônia e um marco da música eletroacústica. Stockhausen fundiu sons eletrônicos puros (da escola alemã) com sons concretos (uma voz de menino gravada).

O próprio Herbert Eimert, fundador da "Escola Senoidal", adotou os sons concretos em suas composições. Em Epitaph für Aikichi Kuboyama (1960-62), Eimert usou gravações de fala como base para sua "composição verbal" (sprachkomposition).

3.1 Outros pioneiros fundamentais

Bruno Maderna: Musica su Due Dimensioni (1952).

Frequentemente citada como a primeira obra a combinar sistematicamente um instrumento ao vivo (flauta, posteriormente também pratos) com sons eletrônicos pré-gravados em fita magnética. Estabeleceu o gênero da música mista (eletroacústica mista), explorando o diálogo entre o intérprete humano e a máquina.

Edgard Varèse: Déserts (1950-1954) e Poème Électronique (1958)

Déserts é uma das primeiras obras a alternar seções de uma orquestra de câmara com sons gravados em fita. Em 1958, Poème Électronique realizado para o Pavilhão Philips na Expo de Bruxelas foi uma obra multimídia, combinando som eletrônico (difundido por mais de 400 alto-falantes), projeção de luz e cor, e arquitetura. É um marco da instalação sonora e da música espacializada.

György Ligeti: Glissandi (1957) e Artikulation (1958).

Obras puramente eletrônicas (realizadas no Estúdio de Colônia) que marcam a transição do serialismo pontilhista para a composição textural. Glissandi foca na sobreposição de ondas senoidais para criar massas sonoras, enquanto Artikulation explora a ideia de uma "linguagem" artificial através de sons eletrônicos granulados e texturas complexas.

Iannis Xenakis: Concret PH (1958).

A obra é composta inteiramente por sons granulados de carvão em brasa, gravados de perto. É um exemplo primordial da "música estocástica" (baseada em probabilidades), focando na densidade, textura e movimento de "nuvens" sonoras.

Luciano Berio: Thema (Omaggio a Joyce) (1958).

É uma das composições mais influentes baseadas na voz humana gravada (a de Cathy Berberian lendo Ulisses de James Joyce). A obra desconstrói a linguagem falada em seus componentes fonéticos (fonemas) e os reorganiza eletronicamente, explorando a fronteira entre significado e som puro.

3.2 Instituições de pesquisa

Columbia-Princeton Electronic Music Center (CPEMC) (EUA)

Estabelecido formalmente em 1958 por Otto Luening, Vladimir Ussachevsky e Milton Babbitt, é o primeiro centro acadêmico de música eletrônica nos EUA.

Em 1959, foi sede do RCA Mark II Synthesizer, o primeiro sintetizador programável, que permitia compor sons e estruturas inteiras por meio de cartões perfurados.

O centro foi o berço de uma abordagem serial e programática da composição sonora, antecipando a lógica computacional na música e influenciou diretamente o desenvolvimento de sintetizadores subsequentes da Moog e Buchla.

CCRMA (Center for Computer Research in Music and Acoustics) (EUA)

Principal centro de pesquisa em síntese digital e psicoacústica dos EUA. O foco era usar o poder do computador digital para criar e manipular som de formas novas e eficientes.

Em 1967, na Universidade de Stanford, John Chowning descobriu a síntese FM (Modulação de Frequência). Ele percebeu que modular um oscilador com outro em frequências de áudio criava espectros sonoros complexos e ricos, semelhantes a sons acústicos (como sinos ou metais).

A patente da síntese FM de Stanford foi licenciada para a Yamaha, levando diretamente à criação do sintetizador Yamaha DX7 (1983). O DX7 é, sem dúvida, o sintetizador que definiu o som da música pop dos anos 1980.

Ircam (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique) (França)

Em 1970, o presidente francês Georges Pompidou solicitou ao compositor Pierre Boulez a criação de uma instituição para pesquisa de música. O Ircam (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique) abriu suas portas em 1977 em Paris.

O instituto teve um foco pesado na música instrumental ao vivo processada por computador. Lá aconteceu o desenvolvimento do ambiente de programação gráfica Max/MSP (por Miller Puckette), que se tornou a lingua franca global para a música interativa e processamento em tempo real; e também a série de processadores 4X, uma estação de trabalho de áudio digital pioneira usada por Boulez em sua obra Répons (1981) para transformar o som dos instrumentos ao vivo.

O Ircam foi o berço da Música Espectral, praticada por compositores como Gérard Grisey e Tristan Murail. Esta corrente realizou a promessa original da Elektronische Musik. A Escola de Colônia (WDR) queria "compor o timbre" usando síntese aditiva, mas trabalhava "de ouvido" e com matemática serialista manunal. Décadas depois, os espectralistas usaram o poder computacional do Ircam e a análise FFT (Transformada Rápida de Fourier) para analisar cientificamente o espectro de sons reais (como o de um sino). Eles então usavam essa análise como base para a orquestração ou síntese. O Espectralismo é a verdadeira "composição do timbre", mas informada pela ciência acústica.

💡 Transformada Rápida de Fourier (FFT): Algoritmo matemático que decompõe um som complexo em seus componentes de frequência individuais, revelando seu "espectro" harmônico.

4. Da academia ao home studio

Na segunda metade do século XX, os avanços tecnológicos começaram a levar esses recursos dos centros de pesquisa para os artistas pop, até chegar, atualmente, nos pequenos estúdios de produção musical:

4.1 Robert Moog e o Sintetizador Portátil

Enquanto os acadêmicos trabalhavam em laboratórios, Robert Moog pegou o conceito de "controle por tensão" (visto no Electronic Sackbut de Le Caine) e o tornou comercializável.

O Moog Modular (1964) e, crucialmente, o Minimoog (1970), foram os primeiros sintetizadores compactos, portáteis e relativamente acessíveis. Moog levou o sintetizador para a música pop. Foi usado por artistas como The Beatles; The Doors; Emerson, Lake & Palmer; e Stevie Wonder.

4.2 Revolução do Sampling: O Fairlight CMI

Se o Moog foi a realização comercial da Elektronische Musik (síntese), o Fairlight CMI (1979) foi a realização digital da Música Concreta (manipulação de som gravado).

Inventado por Peter Vogel e Kim Ryrie na Austrália, o Fairlight foi o primeiro sampler digital comercial. Eles cunharam o termo "sampling". O que Pierre Schaeffer fez laboriosamente com tesouras e fita magnética, artistas como Peter Gabriel, Kate Bush e Herbie Hancock podiam agora fazer digitalmente com uma caneta de luz sobre uma tela sensível ao toque.

O Fairlight mudou o paradigma: da síntese (criar do zero) para a amostragem (manipular o real). O hip-hop, que surgiria logo depois, seria construído sobre essa filosofia.

4.3 MIDI

O MIDI (Musical Instrument Digital Interface) foi introduzido em 1983. O MIDI é um protocolo de comunicação — uma língua universal.

Antes do MIDI, um sintetizador Yamaha não podia se comunicar com uma bateria eletrônica Roland. Cada fabricante usava seu próprio sistema proprietário. O MIDI criou um padrão que permitiu que todos os equipamentos (sintetizadores, samplers, baterias eletrônicas) e computadores se conectassem e "conversassem" entre si.

O MIDI permitiu que um único teclado controlasse múltiplos sound modules, reduzindo drasticamente o custo e o tamanho dos estúdios. O Ableton Live, o FL Studio e todos os DAWs (Digital Audio Workstations) modernos têm, como parte crucial, sequenciadores MIDI avançados.

5. O Som Ubíquo

Hoje, quando você ouve uma música pop no streaming, está ouvindo a síntese FM de Chowning. Quando você ouve hip-hop, está ouvindo a filosofia de Schaeffer materializada via samples. E quando um artista controla os sons gravados e sintetiza sons através de um teclado MIDI, está apoiado em toda essa história.

A pergunta que abre este artigo — "O que é música eletrônica?" — revela-se agora em sua complexidade. Não é apenas música feita com eletrônicos. É o culminar de um século de expansão filosófica, tecnológica e cultural dos próprios limites do que o som pode ser e de quem tem o direito de criá-lo.

Da válvula triodo de Lee De Forest ao algoritmo de machine learning que hoje sugere loops em um DAW, dos laboratórios da NWDR de Colônia ao quarto de um produtor em qualquer lugar do mundo, das correntes filosóficas de Schaeffer e Eimert à fusão de suas visões em cada sessão de produção moderna — esta é a jornada da música eletrônica.

Os pioneiros não apenas criaram novas obras ou inventaram novas tecnologias. Eles reimaginaram o que a música poderia ser, expandiram quem poderia criá-la e estabeleceram as fundações para a vasta, diversa e democratizada paisagem sonora que permeia a música eletrônica contemporânea.

Anexo 1: Linha do tempo da música eletrônica (século XIX-XX)

Ano	Instrumento
1876	O Telégrafo Musical, inventado por Elisha Gray, é considerado, por alguns, o primeiro sintetizador do mundo.
1877	O fonógrafo, inventado por Thomas Edison, permite a gravação e reprodução mecânica do som, inicialmente gravado em folhas de estanho enroladas em um cilindro rotativo.
1895	O pianola, ou piano de toca-discos, inventado por Edwin S. Votey. Capaz de tocar música pré-programada em papel perfurado. Sai de produção após a quebra da Bolsa de Valores de 1929, mas é revivido no final dos anos 1930 e além pelo compositor americano Conlon Nancarrow.
1906	O Telharmonium, desenvolvido por Thaddeus Cahill. O tríodo, o primeiro amplificador eletrônico prático, é inventado por Lee de Forest. Isso marca o nascimento da era eletrônica.
1910	O pintor futurista Luigi Russolo desenvolve os intonarumori, máquinas geradoras de som destinadas a expandir o léxico de sons disponíveis para a música no século XX, conforme exposto em seu manifesto "A Arte dos Ruídos" de 1913.
1916	O pintor cubo-futurista Vladimir Baranoff-Rossiné constrói o Piano Optofônico, um instrumento "sinestésico" em que sons e padrões giratórios são acionados por um teclado, criando uma combinação de música e cor, conforme sonhado por compositores como Alexander Scriabin.
1917	O primeiro teremim, nomeado após seu inventor soviético Leon Theremin, é construído. Com duas antenas metálicas, ele gera sons sem que o jogador toque o instrumento.
1928	Maurice Martenot inventa as ondas Martenot, semelhantes ao teremim. Usadas por Edgard Varèse em "Ecuatorial".
1930	Mais uma invenção soviética: o Variófono, inventado por Evgeny Sholpo, um sintetizador óptico que usa ondas sonoras transcritas em discos de cartão girando sincronamente com filmes de 35mm.
1935	O Magnetofone, o primeiro gravador de fita, desenvolvido por Fritz Pfleumer, é demonstrado no Salão de Rádio de Berlim.
1940	O sintetizador de voz, desenvolvido por Karl Wagner e precursor do vocoder.
1941	A Ondiólina, inventada por Georges Jenny e popularizada por seu compatriota francês, Jean-Jacques Perrey, no início dos anos 1950. Um teclado elétrico cujo som pode ser variado movendo-o manualmente de lado a lado, criando uma gama de efeitos de vibrato mais diversificados do que as ondas Martenot.
1944	Halim El-Dabh produz "A Expressão de Zaar", a primeira peça conhecida de música eletroacústica em fita.
1946	A Máquina de Orquestra é desenvolvida por Raymond Scott, que não desejava mais trabalhar com músicos humanos, se possível. Ele mais tarde segue com o Clavivox.
1947	O claviolino, um teclado elétrico com oscilador de tubo de vácuo, é inventado pelo engenheiro francês Constant Martin. Ele aparece no hit de Del Shannon "Runaway" em 1961 e, durante os anos 1960, é usado extensivamente pelo músico de jazz Sun Ra.
1952	O sintetizador RCA, também conhecido como "Victor", desenvolvido por Herbert Belar e Harry Olson, é concebido e eventualmente instalado na Universidade de Columbia em 1957. Apesar da popularidade inicial das sequências notacionais complexas que ele é capaz de realizar, além das de qualquer instrumento acústico, o instrumento cai em desuso e é usado pela última vez em 1997.
1955	O "Registro Síncrono Seletivo", desenvolvido pela Ampex, introduz a possibilidade de overdubbing de áudio, que o guitarrista Les Paul desenvolve para criar gravações de oito faixas.
1957	O sintetizador ANS, desenvolvido por Evgeny Murzin entre 1937 e 1957, é apresentado. O computador é nomeado em homenagem ao compositor Alexander Scriabin. Eduard Artemyev usa o ANS extensivamente em suas trilhas sonoras para os filmes de Andrei Tarkovsky, incluindo "Solaris".
1959	Oramics, o sistema de programação de Daphne Oram, baseado em uma ideia que ela teve na infância.
1963	A máquina de bateria DA-20, desenvolvida por Keiko (mais tarde conhecida como Korg). Ela apresenta um sistema de disco rotativo com uma escolha de sons. O Mellotron, desenvolvido pela empresa Mellotronics, fundada por Frank, Norman e Les Bradley, o líder de banda Eric Robinson e o mágico David Nixon. É baseado em um instrumento anterior desenvolvido e nomeado após o californiano Harry Chamberlin. O Mellotron é popularizado pelos Beatles, notadamente em "Strawberry Fields Forever".
1964	O Ace Tone R1 Rhythm Ace, desenvolvido por Ikutaro Kakehashi. O sintetizador Moog, inventado por Robert Moog, é lançado. Primeiramente demonstrado no Festival Pop de Monterey em 1967, ele transcende seu status inicial de novidade para se tornar uma parte integral do mobiliário eletrônico.
1970	O ARP-600, desenvolvido por Alan R. Pearlman e Dennis Colin, uma versão simplificada do ARP-500. Pete Townshend é um dos primeiros a adotá-lo, mas é Stevie Wonder quem faz uso extensivo e popular do instrumento, com a assistência de Bob Margouleff e Malcolm Cecil.
1973	O Yamaha GX-1, um pilar do rock progressivo usado por Emerson, Lake and Palmer, entre outros, e mais tarde por Aphex Twin na faixa "GX1 Solo", após ele adquirir o instrumento do espólio do falecido Mickie Most.
1979	O Casio VL-1, lançado em junho de 1979, um sintetizador digital disponível por apenas $69,95. O Fairlight CMI, um teclado de setenta e três notas, consistindo em uma unidade central com dois leitores de disquetes de oito polegadas, um teclado alfanumérico, um monitor monocromático e uma caneta de luz para edição gráfica. O primeiro instrumento a incluir amostragem digital.
1980	A máquina de bateria analógica Roland TR-808, popularizada pela Yellow Magic Orchestra em seu álbum BGM de 1980, mas descontinuada em 1983. Ela desfruta de uma longa vida útil tanto em bibliotecas de som quanto como um instrumento de segunda mão valorizado, sendo particularmente popular no hip-hop. O Yamaha GS-1, o primeiro sintetizador digital. Mais caro do que o Casio VL-1, torna-se uma característica popular e ubíqua da música pop dos anos 1980, desde Talking Heads até Duran Duran.
1981	A linha de baixo Roland TB-303, mais tarde um elemento-chave no som acid-house. No entanto, seu primeiro uso é por Heaven 17 em "Let Me Go", e não aparece em um hit até Orange Juice usá-lo em "Rip It Up" em 1983. O Toshiba LMD-649, o primeiro sampler digital, usado extensivamente no álbum "Technodelic" da Yellow Magic Orchestra.
1982	O sintetizador Roland Jupiter-6, um dos primeiros sintetizadores MIDI, mais tarde popularizado por Blue, Inner City, Human League e Orbital, entre outros.
1984	O primeiro computador Macintosh da Apple, mais tarde adotado por músicos em forma de laptop como um instrumento musical. O Sound Designer, desenvolvido por graduados de Berkeley Evan Brooks e Peter Gotcher. Mais tarde renomeado como Pro Tools.
1985	O computador Atari ST, projetado por Shiraz Shivji, cuja imagem pode ser encontrada no álbum de Fatboy Slim "You’ve Come a Long Way, Baby", no qual o Atari é usado extensivamente.
1995	O sistema de sintetizador modular analógico Doepfer A-100, introduzido pelos fabricantes alemães Doepfer. Este sistema "montado em rack" permite que diferentes empresas integrem seus módulos nos sistemas uns dos outros sob o padrão "Eurorack".
1999	A criação do Ableton Live, uma estação de áudio digital que também pode ser usada durante apresentações. Lançado em 2001.

Referências

FRITSCH, Eloy. Música Eletrônica: Uma Introdução Ilustrada. 2. ed. Porto Alegre: Editora da UFRGS, 2006.

GRIFFITHS, Paul. A música moderna: uma história concisa e ilustrada de Debussy a Boulez. Tradução de Clóvis Marques. Rio de Janeiro: Jorge Zahar, 1998.

MANNING, Peter. Electronic and Computer Music. 4. ed. New York: Oxford University Press , 2013.

SCHAEFFER, Pierre**. In Search of a Concrete Music.** Berkeley: University of California Press, 2012. (California Studies in 20th-Century Music, v. 15).

STUBBS, David. Mars By 1980: The Story Of Electronic Music. Londres: Faber & Faber, 2018.